Muchos recordarán esa mirada, producto del sufrimiento. Sharbat, diecinueve años después, sigue poseyéndola, quizás más triste y renegada que unos años atrás. En fin, hace algún tiempo que leí una entrevista donde su marido mencionaba las sucesivas calamidades por las que había pasado y está pasando su país: Afganistán. En la última pregunta, después de reflexionar y entender que las promesas dadas por los políticos, religiosos u otras organizaciones caían siempre en saco roto, sacó a relucir la resignación y la fe: los hechos se habían desarrollado según la Voluntad de Dios. De ahí, proviene este pequeño poema dedicado a Sharbat, a su familia y a su pueblo.
Si os soy sincera, las primeras veces que oí hablar de esta serie pensé que era de contenido pornográfico. Encima la emitían por televisión a altas horas de la madrugada, así que todo indicaba que aquello no era para niñas inocentes como yo.
Años después, me enteré de que era una serie normal donde tocaban el tema… pero no tanto como yo pensaba. Así que me bajé la primera temporada.
El comienzo no me gustó absolutamente nada, pero el verano es tan largo y da para tanto que decidí darle una oportunidad y seguí viéndola.
A grandes rasgos, me toca comentar que la serie trata de cuatro treinteañeras que se reúnen para hablar de sus vidas y, sobre todo, de sus escarceos amorosos. Todo ello en los sitios más cools y glamourosos de La Gran Manzana. Pero… es mucho más que eso.
Los espectadores, a lo largo de sus seis temporadas, hemos disfrutado de momentos de todo tipo: de amistad (¿qué mujer no se siente identificada ante esas reuniones?), de apoyo y ayuda, tristes, alegres… y bueno… sexuales (Supongo que gracias a ellas muchas mujeres han abierto sus mentes a muchas prácticas que “estaban algo mal vistas”).
Quizás un requisito para adentrarse en la historia y engancharse a ella (como me pasó a mí) es conocer a las protagonistas. Así que os voy a acelerar el proceso:
Carrie Bradshaw
Es una escritora de una columna sobre sexo en el periódico. Obsesionada con los zapatos y envidia de muchas por su fantástico vestuario (sí, yo también levanto la mano). Es la más “normal” de las cuatro respecto a sus relaciones con los hombres. Sin embargo, está llena de dudas e inseguridad. Supongo que como todas.
Relaciones públicas. Una mujer de armas tomar y sin pelos en la lengua. Tiene numerosas aventuras con miles de hombres, pero es incapaz de llevar una relación formal con ninguno. El matrimonio no es una opción y los hijos… no están dentro de su vocabulario.
Trabaja en un museo. Es, con diferencia, la más recatada de todas. Religiosa y muy perfeccionista, sueña desde pequeña como será su traje de novia. También es la más sensible y llorona. Parece haber nacido para cuidar miles de bebés en su carísima casa neoyorquina.
Y por último, la pelirroja. Trabaja en un bufete de abogados. A veces no derrocha simpatía y lo que tiene que decir lo dice, no se calla ni lo más mínimo. Para ella, nada de cursilerías ni finales felices. Está hecha para ponerles a todas los pies en el suelo.
Además de ver las calles, parques, restaurantes y tiendas más fashion de la ciudad y desear vivir como ellas (con las conquistas, las casas, la ropa y los cosmopolitan incluidos), disfrutarás de un montón de anécdotas. Chicos que lamen toda tu cara en vez de besarte, que terminan una relación mediante un post-it, que les gustan ser azotados en el trasero o que la tienen tan pequeña como para hacerte llorar; sólo es un ejemplo de todo lo que te puedes encontrar.
La vida es el elemento principal de esta obra. La vida y la muerte. Pero más bien podríamos decir que es la representación de un ciclo ineludible: el paso de la juventud a la vejez, el paso del tiempo. La evidencia hace que nos identifiquemos, y que veamos para unos el futuro y para otros el pasado. El niño, sería la primera edad. La juventud sería la plenitud. La vejez, la última etapa.
La juventud
Una figura llena de color, de vida, que en medio de la inmensidad neutra, sostiene entre sus brazos a un niño y también sostiene la esencia de la juventud: el estado de somnolencia que quizás nos da la impresión de la inocencia, la calma, la compostura, la seguridad en si misma, la apariencia feliz. El cuerpo estilizado, las mejillas, los labios y el pezón rosado nos proveen de apariencia física. Y todo ello, nos transporta a una sensación propicia para querer ser así y desear aquel sueño.
La vejez y la muerte
La otra figura, de perfil, ya nos está dando el aire difícil y angosto, el contraste con la vitalidad anterior. Las mamas ya no se sostienen, se pierde la fertilidad y pierde al bebé. La postura encorvada, la barriga hinchada, en definitiva: la vejez en su más puro estilo físico. Pero también, nos proporciona elementos que nos informan de aspectos psicológicos, el más importante de ellos: la mano que tapa su cara. ¿No desea ver su imagen en un espejo? ¿No desea ver la realidad? ¿Mostrar la vejez al mundo? O ¿solamente estará intentando desviar el dictamen de la muerte? La muerte siempre esta ahí, pero cuando el ser humano llega a la vejez, se da cuenta que se la sombra cada día anda más cerca.
El sueño
Pero Klimt ahonda en lo profundo del carácter de ambas figuras de un modo simbólico. Cómo vemos, la figura joven está durmiendo, está reposada, es joven, tiene una vida por delante, donde las metas están todavía por recorrer, por soñar. Además, la juventud le proporciona la confianza para realizarlas. Sin embargo, la figura de la anciana, está consumida por la oscuridad, el implacable paso del tiempo no le deja otra alternativa que la realidad, y la realidad es la tristeza y la desilusión de la belleza perdida y de los sueños.
Al final, Klimt nos muestra la juventud encarnada por el sueño; la vejez, por la imposibilidad de soñar.
Artículo escrito por Juan Manuel Rodríguez de Sousa
Este es un pequeño comentario que le pedí a una compañera entendida en el mundillo de los pinceles. Aquí dejo su comentario para los que deseen una descripción un poco más "técnica" que la mía:
"Es una alegoría perfecta a las tres fases de la vida. La ternura que impregna la figura femenina con el niño no tiene precio, las dos tienen una expresión dificilmente superable por los mejores retratistas realistas del momento. En cuanto a la figura de perfil, ésta queda como en penumbra y nos transmite una gran sensación de tristeza, con la cara tapada por los cabellos, la figura desgarbada y ligeramente separada de las otras dos, se advierte un color menos alegre y más terroso que contrasta con la alegria que despiertan las otras dos figuras. Los motivos circulares que coloca alrededor de las figuras principales son típicos del modernismo y le dan una dimensión decorativa al cuadro más allá de su significado"
Pocos artistas muestran las contradicciones de su tiempo de la misma manera que Degas; participó en las exposiciones impresionistas y criticó los principios básicos de este movimiento; se inspiró en los maestros del pasado y sus escenas rebosan modernidad; defendía la línea sobre el color y se destapará como uno de los mejores coloristas del momento en algunas obras. Odiaba los honores oficiales y quería triunfar en el Salón. Estas curiosas paradojas las encontramos en la trayectoria artística de uno de los grandes genios del siglo XIX. Hilaire Germaine Edgar Degas nace en París el 19 de julio de 1834. Su familia paterna era de origen franco-italiano y se dedicaba a la Banca, mientras que la de su madre estaba vinculada con el negocio del algodón en Nueva Orleans. Edgar será el primogénito de una familia que se verá aumentada con tres nuevos retoños, dos niñas y un niño. La relación con su madre debió ser muy estrecha, afectándole enormemente su pérdida en 1847, cuando el joven tenía trece años. Dos años antes había sido matriculado en el Lycée Louis-le-Grand, en régimen de internado hasta su graduación, siete años después. Su padre, Auguste, deseaba que Edgar cursara estudios de Derecho, a pesar de haber demostrado su talento como dibujante en sus años en el Lycée. Durante un corto periodo de tiempo accedió a los deseos paternos, matriculándose en Derecho, pero pronto se cansó, abandonó el hogar familiar y se instaló en un estudio. Vistos los deseos del joven, su padre decidió financiar el aprendizaje artístico de Edgar, reconociendo su error inicial. Bien es cierto que Auguste Degas era un espíritu refinado, gran amante de la buena música y de las pinturas del Quattrocento, lo que hizo más comprensible la atracción por la pintura de su hijo. En 1853 se matricula en el taller de Louis Lamothe, pintor de temas históricos y discípulo de Ingres. Durante dos años copió bajo la atenta mirada de su maestro un buen número de obras en el Louvre, preparándose para el concurso de la Escuela de Bellas Artes, donde obtener la pensión que le llevaría a Italia, como soñaban todos los jóvenes pintores en aquellos momentos. Gracias a Degas, Edgar Valpinçon - propietario del Baño turco de Ingres - accedió a presentarlo a la Exposición Universal celebrada en París en 1855. Ese mismo año Edgar ingresaba en la Escuela de Bellas Artes, abandonándola meses después para realizar un viaje por su cuenta a Italia. Allí permanecerá por un periodo de tres años, dedicándose a copiar las pinturas de los grandes maestros del Renacimiento y las esculturas clásicas que poco a poco afloraban a la superficie gracias a las excavaciones arqueológicas. Los frescos de Rafael y Miguel Ángel en la Capilla Sixtina serán las principales atracciones para el joven pintor. En Roma se rodeará de los artistas franceses que estudiaban becados por el Estado. Su relación será muy intensa con Gustave Moreau, pintor que también tenía sus propios recursos para vivir en la Ciudad Eterna. Junto a Moreau sentirá enorme atracción por Giotto, Mantegna o Botticelli, así como por los maestros venecianos - Tiziano, Veronés y Tintoretto - . El predominio del color en la Escuela veneciana le llevará a interesarse por Delacroix, el maestro del Romanticismo francés. También en Italia se inclinará por el arte del grabado, encontrando un inestimable punto de referencia en Rembrandt y los pintores holandeses del Barroco.
En Florencia inició una de sus primeras obras importantes, la Familia Bellelli, para la que tomó como modelos a su tía Laura y a sus primas. En los meses finales de 1859 Degas regresa a París. Su padre considera que se debe ganar la vida realizando retratos, temática en la que ha demostrado sobradas dotes. Sin embargo, Degas desea obtener el mayor triunfo posible en el panorama artístico parisino y eso pasaba por el Salón de París, iniciando una serie de obras con temática histórica que tenían gran éxito en dicho certamen. En ellas se aprecia una marcada influencia de Delacroix e Ingres junto a Mantegna y Piero della Francesca, intentando innovar ese gastado género. Buena muestra de estas obras es la titulada Jóvenes espartanos. En 1862 realiza su primera escena en la que se refleja la vida moderna. Se trata de Antes de la salida, en la que inicia su temática de hipódromos y carreras de caballos. Ese año se relacionó por primera vez con Manet, a quien encontró en el Louvre. Degas estaba copiando un cuadro de Velázquez para realizar un aguafuerte. Manet pondrá al joven artista en contacto con el Realismo, aunque Edgar se resistiera en un principio a asumir la filosofía del movimiento. También será Manet quien le presente a James M. Whistler, artista interesado especialmente por el color como estimulante del espectador. Quizá este contacto permitiera a Degas conocer en profundidad los grabados japoneses, tan de moda por aquellas fechas entre los artistas modernos. Otra de las interesantes influencias para estos pintores será la fotografía, que se empezaba a desarrollar con éxito en aquellos años. Degas incorporará estas dos novedades en sus obras al interesarse desde el primer momento por cuestiones de perspectiva. Los retratos serán la temática favorita del pintor durante la década de los sesenta - Edmondo y Thérèse Morbilli o James Tissot son buenos ejemplos -.
En 1868 se integra en la tertulia del Café Guerbois, liderada por Manet, iniciándose una estrecha amistad entre los dos pintores. Allí también se relacionaría con Claude Monet, Alfred Sisley y Paul Cézanne, aunque no sintiera ninguna atracción por su pintura al aire libre. Su rendición incondicional al Realismo se produjo tras leer una novela de los hermanos Goncourt titulada Manette Salomon. Bien es cierto que los temas elegidos por él serán muy selectivos, prefiriendo las escenas de ballet, los cafés, las bañistas o las planchadoras. Igual que los demás pintores de su generación, Degas sufrió las consecuencias de la Guerra Franco-Prusiana de 1870. Formó parte de la Guardia Nacional y participó en la defensa de París ante las tropas prusianas. Después se retiró al campo, alejándose de los sucesos de la Comuna, condenando la brutal represión del movimiento aunque no simpatizara con él. Es en estos momentos cuando se inicia el deterioro de su visión. Al año siguiente marchó a Londres y vendió varios cuadros al marchante Durand-Ruel. Al regresar a París pintará la Clase de danza, mostrándose en plena madurez. Entre 1872 y 1873 Degas viajará a Nueva Orleans, junto a su hermano René, para conocer a los miembros de su familia materna. En tierras norteamericanas realizó algunos retratos y una obra magnífica, Mercado de algodón.
La idea de crear una exposición independiente al Salón oficial empieza a cuajar entre los artistas en 1873. El propio Degas ya había planteado a sus amigos la organización de un Salón del Realismo. La primera exposición del grupo, llamado despectivamente Impresionista por el crítico Louis Leroy, se celebró en 1874. Participaron Monet, Renoir, Morisot, Cézanne y Sisley, entre otros. Degas también puso su granito de arena, igual que en las restantes siete exposiciones del grupo impresionista. Sólo dejó de participar en una de ellas. El fallecimiento de su padre en 1874 reveló la mala situación económica por la que atravesaba la familia, existiendo un buen número de deudas. Esto provocó que Degas tuviera que vender sus cuadros para poder vivir, algo que hasta entonces no había hecho. Esta crisis financiera se prolongaría hasta 1880. Sus máximas obsesiones en la década de los setenta serían las escenas de ballet y los grabados. Pocos artistas han dado una visión tan completa de las entrañas de la danza como hará Degas. Pasaba largas jornadas contemplando los extenuantes ensayos de las jóvenes - Ensayo del ballet en el escenario - sintiéndose especialmente atraído por ese mundo. Quizá también exista un motivo económico al ser vendidos estos temas más fácilmente por su marchante. Respecto a los grabados, su obsesión fue tal que un amigo dijo que era "una plancha de cobre ennegrecida con tinta de imprimir". Los temas elegidos para los grabados son similares a los de sus óleos y pasteles. Esperando a los clientes muestra su atracción por la temática de la prostitución, anticipándose a su gran continuador, Henri de Toulouse-Lautrec.
La fama de Degas empezó a crecer en la década de los setenta, vendiendo un buen número de cuadros con cierta facilidad. Sin embargo, las tensiones entre los miembros del grupo impresionista y Degas eran cada vez mayores. Gracias a Camille Pissarro las críticas fueron suavizadas y la unión de los integrantes del movimiento parecía asegurada. Pero Degas se fue convirtiendo en un personaje solitario, dejando de exponer con otros artistas e incluso no exhibiendo sus obras al público. A partir de ese momento surge el aspecto legendario en su vida, mostrándole como un hombre amargado, de mal carácter, misógino y arrogante. La depresión le pudo acompañar en algunos momentos, mientras que las enfermedades serán continuas durante mucho tiempo, siendo considerado por algunos contemporáneos como un hipocondríaco, especialmente por su problema visual. Una de las técnicas favoritas del artista será el pastel, perfeccionándolo durante años mediante la superposición de diferentes capas. El colorido sería cada vez más sugerente, resultando obras de especial delicadeza como el Barreño o En la sombrerería.
Algunos de los colores conseguidos por Degas inspirarían a Paul Gauguin y Henri Matisse. Otra faceta destacada de su arte es la escultura, realizando numerosas estatuas de caballos, bailarinas o bañistas desnudas, llegando a ser considerado por Renoir como el mejor escultor moderno, por delante incluso de Rodin. El carácter del artista se hace cada vez más agrio con el paso del tiempo, mostrando de manera abierta sus prejuicios sociales, criticando la democracia y la educación de las clases trabajadoras. Los cambios vividos al iniciarse el siglo XX le convierten en un hombre ultraconservador y tradicionalista. Desde 1900 el artista redujo mucho su producción, renunciando a trabajar a partir de 1912. Emplearía modelos reales, aunque también se valía del amplio repertorio de posturas que había realizado anteriormente, llegando a calcarlas e invertirlas para crear nuevas imágenes. En estos últimos años destaca su faceta de coleccionista, adquiere una importante cantidad de cuadros a los marchantes Vollard y Durand-Ruel, llegando a cambiarlos por sus propias obras. En su colección estaban representados los más diversos maestros: desde Ingres hasta Cézanne, pasando por Delacroix, Gauguin e incluso Van Gogh. De su alumna Mary Cassatt poseía un amplio repertorio, igual que de Berthe Morisot. En 1912 Degas ve cómo su casa es demolida y su ama de llaves le abandona. Este anciano obstinado gusta de pasear y recordar los viejos tiempos. Mary Cassatt le buscó una persona que le cuidara, eligiéndose a su sobrina Jeanne Fèvre. Sus últimos meses los pasó postrado en la cama, falleciendo el 27 de septiembre de 1917 en París.
(Dorotea recibiendo el premio a manos de Espido Freire)
Pronto, se verá publicado un libro donde, además de su cuento, se han añadido los finalistas de este certamen: como nuestra compañera Felisa Moreno Ortega. Y también serán editados juntos con los mejores del otro certamen paralelo, el Hispano Alemán, del cual Dorotea también fue finalista junto con Mercedes Martín Alfaya. Esta última, campeona indiscutible del año pasado y que pasó la diadema a su compañera del taller con la mejor sonrisa.
La alegría inconmensurable se desbordó por toda la mesa del Desván de la Memoria. ¡Nos llevamos el primer premio!
Y para hacer honor a nuestra flamante ganadora, os dejamos con un enlace a una página Web donde podréis leer algunas de sus obras.
Muchos de vosotros, solamente le sonarán las palabras: "No me llames Dolores, llámame Lola" Pero no hay que confundir una canción con un disco o, incluso, una carrera musical. En la variedad está el gusto, y eso fue lo que se propusieron los componentes en su primer y segundo trabajo (PASTORA 2003 y LA VIDA MODERNA 2005) . Aunque, y todo hay que decirlo, la personalidad de sus sonidos y voz, la especial percepción del pop, música disco... hacen de esta variedad un cóctel con un fuerte carácter a PASTORA.
Son nuevos, son originales, no reniegan de nada: en la página Web oficial encontraréis vídeo clips gratuitos, biografía...
Los otros discos:
LA VIDA MODERNA, disco lanzado en el 2005. Un CD formado por 13 canciones escritas por Dolo Beltrán y compuestas por Caïm Riba al que acompaña un DVD con 13 composiciones visuales creadas por Pau Riba.
Su primer álbum
Publicó su primer disco, "Pastora", en 2003. El tema que más sonó fue el de "Lola" (el estribillo es "... no me llames Dolores llámame Lola... la que siempre va sola por Barcelona buscando follón..."). Otros temas de este primer álbum son "Un cuaderno lleno de cuentos", "Lunes", "Mirona", "Mentira", "Tengo"
Ha sido una pequeña alegría que me he llevado. La verdad es que tenía más esperanzas en los poemas que envié, antes que en la modalidad de microrrelatos. Cosas de la vida. El título de la obra es NADA.
También mencionar que en la modalidad de poesía, Mercedes Martín Alfaya, ha quedado finalista con su poema: SE ME MURIÓ. Unos versos bellísimos que no os podeís perder. Además, Mercedes es una gran escritora y un seguro de alta calidad literaria
Aprovechar la ocasión para Felicitar a los ganadores desde aquí que han sido:
: En la modalidad de Poesía, ha resultado ganador el poema: Como el Agua de Puri Velázquez Iglesias En la modalidad de Relato, el ganador ha sido: Javier Moreno Sánchez con su relato 125 palabras
Un saludo a toda la organización de la La Casa de la Juventud "Alcobendas"
A través de una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes, las frágiles vidas de seis personas se cruzan durante sus viajes emocionales hacia el perdón y la reconciliación en Alemania y Turquía. Nejat (Baki Davrak) no mira con buenos ojos la relación que su padre Ali (Tuncel Kurtiz) mantiene con la prostituta Yeter (Nursel Köse). Pero todo cambia cuando descubre que ella manda dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. La inesperada muerte de Yeter distancia al hijo y al padre. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten (Nurgül Yesilcay), la hija de Yeter. Pero Ayten, una activista política que huye de la policía turca, se ha ido a Alemania. Allí conoce a Lotte (Patricia Ziolkowska), que le ofrece su casa, algo que no gusta a su madre Susanne (Hanna Schygulla), una mujer bastante conservadora. La policía detiene a Ayten. Su petición de asilo político es denegada y la deportan a Turquía donde es encarcelada. Lotte se traslada a Turquía en un intento desesperado por liberar a Ayten.
CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA de Juan Manuel Rodríguez de Sousa
Una película que ha pasado desapercibida no sólo para el gran público, sino también para los más cinéfilos espectadores. La prueba es la dificultad para encontrar una crítica en las mejores páginas webs. (ya sé que es poco científico, pero las cosas son así) Cosa curiosa si tenemos en cuenta, que en ciertos países, sí que ha dado cuerda para rato.
Es un filme que no pretende muchas cosas, o al menos no tantas como algunos han querido atribuirle: solamente faltaba que le colgaran la medalla por impulsar la integración de Turquía en la UE. Pero a pesar de no tener unas metas muy altas, sí es verdad que da pie a la reflexión personal y a al establecimiento de serios debates políticos y sociales.
Uno de ellos es la polarización de dos mundos culturalmente distintos, pero que han chocado a causa de la desigualdad. Un país en el que sus habitantes deben emigrar para ganarse el pan y la libertad hacia nuevas fronteras. El ejemplo, uno de los más conocidos en Europa.
Porque no es casualidad que hablando de la inmigración de turcos en Europa, se haya escogido a Alemania como destino para mostrar el ligamen que mantienen ambos países. Y es que muchos alemanes ya empezaron a “quejarse” de la sobrecogida de inmigrantes turcos. Es lo normal, aún así, esta película no pretende hablar sobre la “inmigración” sino sobre las antagónicas consecuencias que puede acarrear: multiculturalidad, desarraigo, desconfianza, generosidad, amor… Es una historia paralela de dos países que se encuentran unidos por gente sencilla, pero que marchan a un ritmo discontinuo en la historia del mundo contemporáneo. Uno, con un crecimiento económico inevitable, desordenado, donde la protección social camina a ras del suelo, donde la imagen de modernidad engaña y encubre la escasa libertad sexual e ideológica que se goza; otro, un país moderno, pionero en cubrir las necesidades sociales, desarrollado, con un crecimiento lento y una población envejecida. Eso son únicamente los polos económicos. Con todo, la película intenta ir más allá e involucra al esperador para asistir a una confrontación de seres humanos.
La historia ronda sobre una madre y una hija, un padre y un hijo. Ambos se encuentran separados, una por la distancia kilométrica, otra por dos formas de ser y de pensar. Los hijos, que se pueden considerar los verdaderos protagonistas de la historia, emprenden un viaje de búsqueda casi mutuo. Y aunque al final se pueda extraer un soplo fructífero de la película, ambos viajes se pagarán con un precio muy alto: la vida, y el perdón de una madre.
Los actores no es, ni de lejos, lo más destacable de esta cinta, que en mi opinión solo merecen un aprobado. El viejo Tuncel Kurtiz (Ali Aksu) y Hanna Schygulla (Susanne Staub) son los que, quizás, resuelvan mejor sus escenas. pincha aquí para obtener más información del reparto
En general los planos están bien, cumpliendo su función, sin embargo, no se debe esperar nada del otro mundo. El guión es más interesante, pero creo que se ha desperdiciado muchos momentos que solamente se explican a través del silencio y las imágenes (algo bueno sin duda, pero que también demuestra, en ciertas ocasiones, una cierta escasez de recursos narrativos).
Eso sí, la elegancia al mostrar la “muerte” es algo de agradecer. La narración de la historia tiene momentos muy flacos, de los que hace dudar sobremanera sobre la calidad intrínseca de la película.
No obstante, en general está muy logrado y expresado el bullicio de una historia que podría resultar confusa y que se ha mostrado con la mayor claridad posible. Ese es el mayor mérito del director Fatih Akin (pincha aquí para ver más información)
La fotografía no es interesante, salvo por muy excepcionales tomas (sobre todo paisajísticas)
En fin, una historia que quizás podría haber sido mejor, pero que se ha quedado con algunos errores bastante deleznables; sin embargo, la fuerza narrativa que posee la historia en sí misma, el mensaje social, la claridad en la exposición del tema hacen de este filme un caramelo agridulce de emociones, sonrisas y reflexiones.
Nota:7
LA SINOPSIS, EL TRAILER Y LAS FOTOGRAFÍAS ESTÁN OBTENIDAS DE LA PÁGINA WEB OFICIAL EN ESPAÑOL DE LA PELÍCULA. ENLACE:AL OTRO LADO
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